Art SPACE

Opera presents its very own contemporary art space. This micro-gallery provides a dynamic and ever evolving exhibition schedule featuring original work from young, emerging, local and international artists.

Nacida de una necesidad de nutrir inspiración, ideas y creatividad, Opera presenta su propio espacio de arte contemporáneo. Esta micro-galería que goza de un calendario dinámico de exhibiciones, siempre en evolución, expone el trabajo de artistas jóvenes, emergentes, locales y internacionales.

JUMARIE DU TOIT
ABUNDANCE

Jumarie was born in the beautiful Overberg in the small farming town of Caledon, where her love of beauty and color started. Her childhood memories of long walks in pomegranate orchards with her grandmother, laughing in the sunshine, and bowls of cream and pomegranate on her farm, have been an inspiration to paint a series of artwork expressing an authentic sense of abundance inspired by the environment and beautiful nature of South Africa.

Jumarie's attention is drawn to her subjects by subtle lighting effects. She is inspired by beautiful ceramic bowls filled with fruit, but also by silver, gold, and bronze vases, delft, peonies, and birds. Certain hues in her paintings convey and evoke emotions in the viewer, inspiring and connecting with the beauty of nature.

The vibrant colours seem to pop and create a gorgeous and dimensional effect. The brushstrokes all have a unique texture that characterises the artwork. The idea of contrast that Jumarie presents with dark, dramatic backgrounds reminds us of the importance of diversity in our emotional world and in life in general. Jumarie loves the phrase of one of the greats: “Color in a picture is like enthusiasm in life” (Vincent van Gogh).

More info at: www..live-art-infinite.com

Williams Holstermann
Anhelos

Después de haber recorrido todo Sur America, Williams Holstermann llega a España con su primera exposición en Barcelona. Artista plástico con 35 años de experiencia, Holstermann nace como artista hyperrealista pero evoluciona en su trayectoria logrando su objetivo de manejar una variedad de técnicas como impresionismo, cubismo, paisajismo y abstracto con grande maestría.

Por su primera exposición en Barcelona, Holstermann ha elegido una armonía de geometrías abstractas y colores con tonalidades vibrantes con la intención de comunicar emociones positivas como su verdadera felicidad por haber logrado su sueño de llevar su trabajo a Europa, un triunfo personal después tantos desafíos.

For more information, please visit www.holstermann.art

MONIQUE VAN STEEN
ACCEPTANCE OF THAT WHAT IS

Monique van Steen (Breda, Holanda 1976) es una pintora cuya misión en la vida es crear un mundo más armonioso. Sus esfuerzos están orientados hacia una sociedad en la que las personas puedan ser ellas mismas de forma plena. Sus pinturas en el Opera Lounge tienen como objetivo empoderar a las mujeres para que sean libre de ser las hermosas personas multifacéticas que realmente son.

La artista es una mujer que explora las múltiples capas de la vida. Monique no solo es una virtuosa pintora y dibujante, también es terapeuta de Psicodanza y actualmente está montando una eco aldea en la Cataluña central (cerca de Berga).

En esta exposición denominada “Aceptación de todo aquello que es”, vemos sus pinturas acrílicas celebrando el universo femenino en toda su profundidad y swing. Muchas de ellas están estilizadas, mostrando imágenes superplanas de rostros femeninos, con contundentes contornos que recuerdan a la estilo modernista (Art nouveau) que sigue tan vivo en la ciudad de Barcelona. Otros lienzos son el contrario: están llenos de información abstracta. Sin embargo, todos ellos irradian la alegría de vivir con su composición moderna y su vívida elección de colores.

JESUS CALZADA
Dramas narcisistas

Una muestra expositiva que habla de la efímera actualidad, del fenómeno colectivo de las redes sociales como una manifestación de la época; algo propio de nuestra cultura, la cultura globalizada de fines de la segunda década del siglo XXI. El mundo y sus personas representándose a sí mismas continuamente.

Compartir nuestras imágenes en la redes sociales implica entrar en un espacio público, en el que nos reunimos con miles o hasta millones de personas; dónde, conductas altamente exhibicionistas desean proyectar una imagen grandiosa del sujeto.

Bienvenidos al gran "show del yo", a las efímeras historias, creaciones, imágenes, que millones de personas comparten, compartimos, cada día a través de redes como Facebook e Instagram. Una estructura que beneficia lo bello, lo físico, lo que entra por los ojos, y está ahí, la intimidad como espectáculo alimentado por el autoerotismo y placer del like. Incluso un estudio dice que el algoritmo de Instagram prioriza las fotos de desnudos, señala el autor, y así el sujeto busca estrategias para obtener más y mejores recompensas narcisistas como los "likes", los comentarios, el número de reproducción de videos, quien vio tu historia, etc. y su mecanismo de autorregulación, calma y apacigua la fragilidad de la vulnerabilidad narcisista, con la exhibición simplemente de egolatría, que proyectada en el espejo que constituye la mirada de los otros, solo se ven si son vistos, reconocidos y admirados por los demás.

For more information please visit www.jesuscalzada.com

ÇIĞDEM NOTT
Untitled

Çiğdem is a German-Turkish visual artist who lives in her adopted home of Barcelona. Her art takes the form of paintings.

In her young years, Cigdem has already and lived and studied in various places around the world: Hamburg, Manchester, London, Edinburgh, Sydney, Malaga, Seoul and Barcelona.

Her vivid memories of her childhood, growing up as an immigrant child and a woman, are where she draws most of her inspiration from. Her use of soft colour palettes with predominantly neutral, feminine tones is deeply personal and rooted in her own experiences and surroundings.
She believes that every colour we encounter leaves us with an emotional experience, influences our feelings and guides our behaviour.

For more information please visit www.cigdemnott.com

joan parramon
macrocosmos & microcosmos

Macrocosmos y microcosmos es el tema que Joan Parramon viene trabajando desde el 2017 y a través del que busca desde cosmos imaginarios hasta aspectos de la naturaleza como inspiración para plasmar microcosmos concretos, siempre en el intento de expresar lo más interno de lo que cada elemento irradia. La conciencia del color, composiciones y combinaciones de color, las sensaciones que generan en su entorno, en el espectador. 

Algunas piezas de MACROCOSMO fueron realizados juntamente con la artista Susana Mayoral de Barcelona también. 

A les entranyes de la Terra fue realizado en el 2019 en el interior de la mina de carbón de Mequinensa/Zaragoza, mina integrada en el Museo de la mina de esta localidad, convirtiendo vetas de carbón y yeso blanco en pigmentos y trabajando el lienzo, terminado en 2020 en su taller incorporando tonalidades de azul que tienen las rocas intermedias entre las vetas y barnizando la obra.  

Clara Rossy
Matèria i natura

Clara Rossy es una artista multidisciplinar que tiene estudios en artes aplicadas, Bellas Artes y diseño. Su constante empeño por conocer nuevas técnicas artísticas la ha llevado a desarrollar la técnica del grabado-escultórico que ella alterna y combina con la pintura, el papel y otras prácticas artísticas.

Hablar de la obra de Clara Rossy es hablar de materia y de voluntad. Materia como la pintura, el papel y últimamente el metal; voluntad como sinónimo de perseverancia en la búsqueda y en el trabajo en complicidad con la materia.

Es el deseo lo que mueve a la artista, un deseo que surge de lo más profundo del ser y que la empuja a transitar por caminos no explorados, caminos donde experimentar y hacer hablar a la materia. Y es en el camino, en el diálogo y en la selección donde la artista encuentra su centro a la vez que experimenta vaciándose de ella misma.

Victoria Rabal

Para más información www.clararossy.com

AMELIE DUCOMMUN

Amelie Ducommun es una artista franco-suiza que vive y pinta en Barcelona. Se graduó en Artes Decorativas (ENSAD, París) y en la Escuela de Bellas Artes (Barcelona). Ya logró más de 100 exposiciones en todo el mundo y participó en varias ferias de arte y bienales (Francia, España, Estados Unidos, China, Emiratos Árabes Unidos, Canadá, Brasil, Portugal, Indonesia, Senegal, entre otros). Ha recibido numerosos premios, incluido el Premio Georges Wildenstein, y recibió prestigiosas residencias. El trabajo de Ducommun forma parte de diferentes colecciones, museos e instituciones, incluidas la Casa Velázquez, la Fundación Miró y NAMOC.

La naturaleza, que siempre la ha cautivado, inspira sus obras. El origen de su trabajo radica principalmente en el cuestionamiento de los recuerdos, la percepción de los paisajes y la interrelación entre elementos naturales. En particular, en los últimos diez años su trabajo se ha centrado en el agua y los paisajes acuáticos, enfocándose en el recuerdo del agua, en su impacto más o menos efímero en otros elementos; tierra, roca, viento son los recuerdos de estos flujos.

Para más información www.amelieducommun.com

Jairo palchucan
Memoria y raices

Desde el territorio ancestral del Valle de Sibundoy (Colombia) vienen los sonidos, los colores y los olores de la tierra, de la tierra de maíz, ahí donde viven los Inga y los Kamëntsá, mi pueblo, mi familia y mi raíz, ellos me enseñaron a “pensar bonito”, tejiendo, tramando hilos de colores, tomando remedio, cuidando la chagra, tocando el tambor y buscando semillas, hojas secas, maderas y los plumajes para embellecer mi cuerpo, mi mente y espíritu descubriendo así el arte de la creación y la conexión con la Madre Tierra.

Desde estas experiencias significativas nació en Jairo Palchucán la inspiración de la obra Memoria y raíces donde hace una invitación a volver nuestra mirada al pensamiento ancestral, originario, complementario y elemental, al territorio. El viento (binÿe), el agua (bejay), el fuego (iñe), y la tierra (fshants), son fuerzas y energías sanadoras que han formado parte de nuestra existencia y han encaminado en el arte de la sanación donde se invita a seguir enseñando y aprendiendo del arte de vivir bonito con los seres cósmicos y los seres espirituales. 

Memorias y raíces es también un recorrido donde se reflejan las miradas de ancestros, miradas de inocencia que expresan vivencias y sentimientos de las culturas nativas como resistencia cultural pasiva, y los tejidos son los caminos de memoria e historia de pensamiento de sabedores, abuelos y abuelas que encaminan la palabra bonita para hacer un solo espiral de vida con el único propósito de embellecer el universo creativo de los pueblos originarios y aportar en su proceso de autonomía y revitalización de sus prácticas artísticas ancestrales y contemporáneas importantes, necesarias y vitales para la llegada del tiempo de florecimiento.

Size92
Untitled

Conrado López (Málaga, 1992), also known as Size92, is an Andalusian plastic artist. At an early age he began painting graffiti on the walls of Jerez de la Frontera, his hometown and, later on, he studied Illustration at the Escuela de Arte José Nogué (Jaén). In 2016 he moved to London where he worked and continued his artistic training. In Shoreditch and Brick Lane he exhibited his first paintings in contemporary art galleries. 

Graffiti is one of his greatest influences and, fusing it with traditional oil technique, Conrado seeks a new concept that combines these two worlds, thus finding a contemporary vision that goes beyond the exclusively provocative and vandalism image that urban art generally sufferes.

Raquel riba rossy

Opera presents an exhibition of original drawings by Raquel Riba Rossy, Catalan artist and creator of feminist heroine Lola Vendetta.

Raquel was born in 1990 in Igualada (Catalonia) into a family of artists, studied Fine Arts at the University of Barcelona and illustration at the Escola de la Dona.

In 2014, after a few years in the world of children's tales, Raquel gave life to Lola Vendetta, thus starting a journey of self-knowledge, self-care and self-respect that has led her to give lectures and to connect with women all over the world.

Besides comics, Raquel devotes herself to writing and singing, and is part of feminine personal development project, ReEvolution Femenina, that was born in 2016 and that aims to be a safe space for women to investigate in themselves, in their history, their beliefs and their family inheritance, in order to reconstruct those parts that will help us live a life with security, learning and enjoyment. 

Lourdes pascual
Expresıón urbana

Lourdes Pascual, pintora auto-didácta de Pamplona, su representación se caracteriza por el Arte Hiperrealista. Rapresenta a personas en escenas de la vida cotidiana, en situaciones muy íntimas, los personajes cuyos rostros y cuerpos, silenciosos, inmóviles, contienen toda la historia de sus vidas. 

El Arte es a la vez un producto estético y un documento. Las descripciones de las calles de la ciudad que nos propone, bien que intensamente ilusionistas, mantienen nuestra atención en la superficie evitándonos de este modo la sensación de estar allí. El tratamiento minucioso de los detalles en la obra, convierten la imagen representada en una nueva realidad. Manipulación del encuadre, colores, luces y reflejos para lograr una nueva realidad pictórica, propia del artista, pretendiendo congelar un momento en el tiempo pero sin buscar competir con la fotografía en sí. 

Lourdes Pascual cuida los detalles de luz, contraste y profundidad, para crear así los efectos ópticos que hacen que la obra de ese giro realista que apresa al espectador.

Luis gerardo mendez
Untitled

Luis Gerardo Mendez artista plástico contemporáneo nacido en Venezuela en 1993, el cual adquirió sus conocimientos y sus técnicas por medio de la escuela de arquitectura y artes plásticas de su ciudad (Valencia Venezuela), actualmente vive y trabaja en Barcelona, España.

El artista busca partir desde el punto y la linea para deleitar los sentidos con la continuidad y discontinuidad. Aplica la pintura creando tonos agradables al ojo humano y combinaciones armoniosas, con esto busca lograr una experiencia concretamente visual que entre en la mente - “el lugar mas salvaje de nuestro cuerpo” - y generar un equilibrio.

“Crear para mi no es servir al gusto ajeno, sino desafiarlo”

- Luis Gerardo Mendez

Héctor Ernández
Mujeres

Héctor Ernández, nace en Caracas (Venezuela) en 1958. Vive su infancia y adolescencia en la Isla de Margarita (Venezuela).

El encuentro con las artes, ocurre a través de la música, y después comienza a debatirse entre la escritura de textos narrativos y la línea, definiéndose por esta última, para nunca más abandonar al dibujo y la pintura. 

Hace equilibrio estudiando Artes y Matemáticas a la vez, para luego, según las exigencias de su devenir como artista neo nato, definir su camino y abrazar la necesidad de rencontrarse con el arte europeo. Entre estos viajes se deben citar: New York, y a partir de 1983 Europa: Alemania, Bélgica, Holanda, España, Inglaterra, Portugal; también recorre el río Orinoco en la nave M/N Táchira, siendo esta experiencia una marca en el proceso creativo del artista.

Desde 1985 en Valencia, Venezuela, se desempeña como Profesor en diversas Instituciones de Educación Superior, y luego como Profesor Ordinario en la Universidad José Antonio Páez y en la Universidad Arturo Michelena. Hoy retirado del ejercicio docente está dedicado en carne y espíritu a su obra. 

GABY GUIARD
AFRICAN SOUL

Publicista de profesión, nace en 1972 en Badalona, España, una ciudad abierta al mar.

Desde muy pequeño siente ya la atracción por las pequeñas maravillas que ofrece el mar Mediterráneo. Pero no será hasta años más tarde cuando descubre un contacto con la naturaleza difícil de encontrar, la luz y la vida salvaje de un continente que le trasformará para siempre, África.

Aquí nace su verdadera pasión, la fotografía del mundo animal. En una tierra que le llena de felicidad y le permite dar salida a su creatividad. Donde siente y observa el frágil equilibrio entre la vida y la muerte. Y capta a través de su visor el maravilloso espectáculo que es la lucha por la supervivencia.

Sus imágenes son su particular lucha por preservar un mundo que estamos destruyendo y que nos pertenece A TODOS.

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Gabi Guiard is a professional publicist born in Barcelona in 1972. Since he was a child, he has been strongly attracted to the small wonders offered by the Mediterranean sea. It will not be until a few years later when he discovers a connection with the difficult to reach nature, the light and the wildlife of a continent which will transform him for ever, Africa.

Here his real passion, the photography of the animal world, comes to life. In a land full of blossoming life, he feels his creativity can really express itself. It’s only there where he can really feel and observe the frail balance between life and death. Where he can capture through his lenses the mesmerising spectacle of fighting for survival.

His images are depicting the fight for preserving a world that we are destroying, a world that does not just belong to us human beings. To see the entire collection of pictures, you can also access the website: www.gabiguiard.com

Sergi Jasanada
WHO IS ELIJAH

Una excepcional selección de retratos fotográficos del famoso modelo británico,  ilustrados en claroscuro y tinta y luz, Cuidadosamente escogidos desde cientosde imágenes y procesadas con programas digitales de cuarto oscuro innovadores.

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A stunning selection of photographic portraits of the famous British model, captured in chiaroscuro and ink and light, carefully chosen from hundreds of images and processed in cutting edge digital darkroom programs.

Sergi Jasanada plays with pushing and pulling light, grabbing onto specular highlights and manipulating the camera manually, shaping the essence of light until finally, the images are prepared and printed on the highest quality aluminium dibond by Manual & Co.

Paolo Sapio
MIND VISION

Una inmersión visual a traves de las obras oníricas de Paolo Sapio donde la fotografía y pintura subrrealista se funden para recorrer un viaje visual, donde la mente puede alcanzar
a ver cosas que solo con los ojos no puede.

El hilo conductor de Mind Visions es plasmar las sensaciones que el artista percibe respecto a la relación del hombre con el planeta. En sus obras donde faltan el elemento humano o la vida. Quien ve sus trabajos, generalmente dice que los ojos son otro factor determinante y clave; le resulta muy natural e intenso representarlos, porque cree que es el quid de una obra de arte. Cómo uso el color, que es un factor primario de comunicación, es otro de los elementos que le identifican.

Las obras de Mind Visions se dividen en 3 categorías: fotografía, fotografía surrealista y pintura. En la fotografía pura el artista ama experimentar, no sólo en postproducción, como es el caso de la fotografía surrealista, sino sobre todo modificar las cámaras y los objetivos. La serie de fotografías

que podéis ver en Mind Visions está hecha con una vieja cámara digital modificada para captar una frecuencia de luz que el ojo humano no ve: el infrarrojo.

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A visual immersion through oniric artwork where surrealist photography, infrared photography, painting and digital portraits blend to capture a journey where eyes normally are not sufficient to confront it.

The common thread of Mind Visions is the expression of the feelings that the artist perceives regarding the relationship between humankind and the planet, therefore his works always includes humans or life. People usually say that the eyes are another determining and key factor, as well as the use of colour, which is another element that identifies his work.

His artwork divides into three categories: photography, surrealist photography and paintings. Regarding photography, the artist likes not only to experiment with postproduction, but to modify the cameras and the lens. For instance, the series of photos in the exhibition is made with a modified old digital camera, which captures a frequency of light that the human eye does not perceive: the infrared. 

Mareo Rodriguez
EXPANSION

Expansión, del latín expansĭo, es la acción y efecto de extenderse o dilatarse. Una de sus primeras lecturas, relaciona la expansión con el crecimiento territorial. En este caso hablamos del crecimiento de Mareo en su estilo pictórico evolucionado, que se extiende materializando espacios calibrados en relación con la expansión de su conciencia, depurando su técnica en la que el equilibrio entre el pigmento blanco y negro, la luz y la sombra, la materia y el vacío, lo efímero y lo eterno, el movimiento visceral orgánico y la linea racional geométrica, están siempre presentes.

Mareo parte de geometrías que le sirven para entender el universo, delimitando así su territorio natural, su unión entre el cielo y la tierra, en una constate búsqueda de lo sublime desde un punto de vista Kantiano, y de lo espiritual como su manera de conectar con el todo.

En su obra encontramos siempre presentes la n materia, el estudio del territorio, del paisaje desde una lectura filosófica que bien se puede relacionar con conceptos orientales....

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Expansion, from latin expansĭo, is the action and the effect of extend and dilate. One of its immediate meanings relates expansion with growth in space. In this case, we are talking about growth of Mareo in its evolved visual style, which extends to shaping calibrated spaces in relation to the expansion of his consciousness, defining his technique where the balance between black and white, light and shadow, matter and emptiness, ephemeral and eternal, the organic visceral movement and the geometric rational line, they are all present.

Mareo departs from geometries which lend themselves to extend the universe, thus circumscribing its natural territory, its union between sky and earth, in a constant search for sublime from a Kantan perspective, and of spiritual as a manner to connect with the whole.

Antonyo Marest
STRAIT LINE

La traducción literal del título significa ‘tiralíneas’ un concepto muy importante en la obra de Marest. El artista se inspira en la arquitectura y en el color de Barcelona para crear la paleta de 25 colores y las geometrías con las que ha trabajado en exclusiva para esta exposición. Barcelona como espacio de acogida de diversas culturas y civilizaciones, y como la puerta de paso a Europa. La importancia del color está presente, desde sus zonas más verdes hasta su puro asfalto con la influencia de todo el arte urbano que inunda la ciudad, graffitis y murales. Marest se apropia de todos estos ítems para generar la narrativa en sus obras.

STRAIT LINE cuenta con 15 obras originales inéditas en técnica acrílica sobre papel de algodón de 600 gr. fabricado en Barcelona.

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Straight line in its literal meaning is an important concept for Marest being a very important device present in all his artwork.

The artist gets inspired by the architecture and the colours of Barcelona to create the palette of 25 colours and geometries with which he has worked in exclusive for this exhibition. Barcelona as a welcoming space of different cultures and civilisations is the door to enter Europe. The importance of colour has been present from the green areas to the pure concrete to the influence of its urban feel inundating the city with graffitis and murals. Marest owns up to all these items to generate the narrative of his artwork.

STRAIT LINE counts on 15 original unpublished pieces produced in acrylic over the cotton paper of 600 gr manufactured in Barcelona.

180 Hilos
TU CASA LLENA DE VIDA

180hilos, es una editorial de arte que desde 2012 selecciona y edita obra gráfica en Barcelona. Son artistas de la talla de Óscar Mariné, Roberta Marrero o Álex Trochut los que forman parte de este gran proyecto editorial. En esta ocasión y con motivo de su 5o Aniversario, presentan la exposición colectiva “Tu casa llena de vida” una magnifica selección de 24 obras de 12 artistas que son todo un regalo para los sentidos. Los nuevos fichajes de 180hilos son Alba Blanquez, Coté Escrivá, El Dibujo, Gonzalo Muiño, Juan Díaz Faez, María Melero, Raúl del Sol y Yido. Y también los nuevos trabajos de, Daniel Montero, JL Merino, Jorge Arévalo y Sanz i Vila.

Tras la exitosa acogida en Madrid el pasado mes de febrero, a propósito de ARCO, 180hilos vuelve a la Galería de Arte de Opera Lounge, porque resulta que en Opera, también cumplen años, el

próximo mes cumplen dos añitos de vida. Por este motivo han vuelto a programar a 180hilos en su agenda de exposiciones.

No hay mejor manera de celebrar su segundo año de vida que volviendo a albergar al proyecto con el que esta Galería de Arte dió el pistoletazo de salida en 2015. Así que “Tu casa llena de vida” será la exposición que presenciará esos dos años de Opera Lounge.

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180hilos has been an art editorial which since 2012 has been selecting and editing graphic artwork in Barcelona.

The collective of artists includes well-established artists such as Óscar Mariné, Roberta Marrero or Álex Trochut, who all are integral part of this great editorial project.

On the occasion of its 5th anniversary, they present the collective exhibition “Tu casa llena de vida” a magnificent selection of 24 pieces from 12 artists, a wonderful gift to all our senses. The new entries from 180Hilos are Alba Blanquez, Coté Escrivá, El Dibujo, Gonzalo Muiño, Juan Díaz Faez, María Melero, Raúl del Sol and Yido. Also inclusive of the new artwork from Daniel Montero, JL Merino, Jorge Arévalo and Sanz i Vila.

Hugo Cárdenas
FRÁGILES

Part of our memory brings us to look back to the past, obliging us to put ourselves in the position of critiquing our actions and making us realize new perspectives when looking at the images which represent the events which we remember in our history. Visuals can often be timeless and lead us to fill those gaps to the imagination and build those scenarios or fictitious situations starting from
the necessity of creating new meanings.

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Parte de nuestra memoria nos plantea mirar nuevamente hacia el pasado, nos obliga a ponernos en una posición critica con nuestras acciones y nos replantean nuevas perspectivas de mirar las imágenes que representan los acontecimientos que recordamos en nuestra línea de tiempo. Es entonces que la imagen también puede partir de una intemporalidad que nos da a entender el ejercicio de imaginar y construir escenarios o situaciones ficticias partiendo de la necesidad de crear nuevos significados.

César Biojo
MIRADAS

Finding inspiration in the quote from Jean Paul Sartre, “We can become aware of ourselves only when confronted with the gaze of another”, his artwork translates into a scrutiny of the human being, his conflicts, his core essence and existence.
Adopting the means offered by portrait, César Biojo´s artwork looks into the hidden emotions lying underneath the gaze, involving us into the piece of art as if we were being observed by the subject of the painting itself.
This is how we introduce the value of time, highlighting concepts inherent to human beings such as creation and destruction, short-lived and ephemeral.

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Tomando como punto de partida la cita de Jean Paul Sartre,”La mirada del otro nos hace conscientes de nosotros mismos”, su obra se convierte en un estudio del ser humano, sus conflictos, su naturaleza y su existencia.
Empleando los medios que ofrece el retrato, la obra de César Biojo indaga en las emociones ocultas que se esconden tras la mirada, haciéndonos partícipes de la obra al ser igualmente observado por el retratado.
Se introduce de esta manera el valor tiempo, que pone de manifiesto conceptos inherentes al ser humano como la creación y la destrucción, lo perecedero y efímero.

Primer aniversario
PRELUDIO

A new exhibition produced after several months of work where the seven artists have adopted the concept of Opera as their main inspiration. Cesar Biojo, Hugo Cardenas, Antonyo Marest, Marc Pallarès, Mareo Rodríguez, Raúl del Sol y Nicasio Torres are the artists who have worked on the concept and present their unpublished work for this exhibition.

Drawing and painting are the disciplines which will fill the walls of the gallery. And why Preludio (Prelude)? At Opera, like with an instrumental composition conceived like the introduction of a musical piece, Preludio introduces the collective of seven artists, who will all have the opportunity to present their individual artwork in dedicated exhibitions programmed for the second year of Opera.

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Una exhibición fruto del trabajo de varios meses en la que el concepto Opera ha servido a varios artistas para el desarrollo
de sus obras. Cesar Biojo, Hugo Cardenas, Antonyo Marest, Marc Pallarès, Mareo Rodríguez, Raúl del Sol y Nicasio Torres son los artistas que han trabajado el concepto y presentan obras inéditas para esta exposición.

Dibujo y pintura son las disciplinas que llenarán las paredes de la galería. ¿Y porqué Preludio? En Opera, como composición instrumental concebida como introducción de una obra musical extrapolamos su significado a la exposición y es la manera de presentar a algunos de los artistas...

Oscar Gartin
TRANSITO

Path. Transit in paralel and diagonal crossing. It’s not been long since I arrived. Was not in a rush either, something was being lost, you know…you will see, now that I have made it here, it’s infinite. I am contemplating the city, I am observing the movement all around me and it’s like an immense painting, all full of dark nuances, black loneliness.

In these paintings, we are being explained what the search for boundaries is and travelling with strokes. Of twisting shapes adrift. Of no space and loss of direction, accidental clashes, transitory relationships.

Points of convergence, sheer chance. A labyrinth of misty layers of black paint. They form structures showing the complexity of relations within a defined space.

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Camino. Transito en parallelo y cruzo en diagonal. No hace tanto que he llegado. Tampoco tenía prisa, andaba algo perdido, sabes? Verás… Ahora estoy aquí en un infinito.

Contemplando la ciudad, noto el movimiento a mi alrededor es como un inmenso cuadro, todo lleno de matices oscuros, negra soledad.

En estos cuadros se nos habla de la búsqueda del limite, del recorrido mediante el trazo. De la contorsión de las formas a la deriva. De los no espacios y las perdidas de dirección, encuentros fortuitos, relaciones de paso. Los puntos de confluencia, el azar...

Lantomo
UNTITLED

Lantomo is the artistic alias for Antonella Montes, an Italian artist
and illustrator based in Barcelona. Artist and Illustrator, Lantomo is also an architect, having graduated in Architecture from the prestigious La Sapienza University in Rome.

Lantomo has also obtained a Master Degree in 'Art, Ephemeral Architecture and Temporary Spaces’ from UPC of Barcelona as well as completed a variety of professional courses in Graphic Design and Drawings across various disciplines such as Illustration, Web, blueprint.

In her experience as artist and illustrator, Lantomo boasts a diverse range of exhibitions, both as an individual artist and as part of a collective, across Artspace MITTE gallery.

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Lantomo alias artístico de Antonella Montes
es una artista e ilustradora italiana afincada en Barcelona.

Artista e Ilustradora, además de arquitecta. Licenciada en Arquitectura en la Facultad de Roma La Sapienza, con un Master
en “Arquitectura, Arte y Espacio Efímero” por la UPC de Barcelona ha realizado diferentes Cursos Profesionales de Dibujo y Diseño Gráfico en varias disciplinas, ilustración, web, maquetación, etc...

En su currículum encontramos exposiciones tanto individuales como colectivas en en galería MITTE Artspace, Artevistas Gallery, Studiostore Gallery, Miscleanea, The Warlus Hub, The Orange, Galería Safia, entre muchas otras...

Psicorealismo
Fran Rodriguez

Opera is very excited to present it's second exclusive contemporary art exhibition ‘Psicorealismo' coming from an established artist from Barcelona,  Fran Rodriguez, lacabezaenlasnubes, launching on 23rd September. The new exhibition is going to be on display at the new multi-disciplinary space of Opera in Calle Mallorca 193. From escapes and innovation, through imagery landscapes, extraterrestrial trips, dreamed experiences, this new exhibition is taking us on a journey outside of reality.  ‘Psicorealismo’ is the internal habitat within which Fran Rodriguez works with collage, it’s lacabezaenlasnubes.

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Un vernissage para presentar esta exposición asumida como un reto de exponer en una sala que escapa del circuito tradicional innovando como espacio de creación multidisciplinar. De escapes e innovación va esta exposición que nos transporta a paisajes imaginados, viajes extraterrenales, experiencias soñadas para llevarnos de excursión fuera de la realidad. Psicorealismo es el hábitat interior de Fran Rodríguez hecho collage, es lacabezaenlasnubes.

180Hilos
Untitled

In concomitance with its opening event, Opera is very excited to present its first exclusive contemporary art exhibition by a collective of both established and emerging artists, designers and illustrators called 180Hilos. Their artwork is brought to life in Barcelona, in a famous studio recognised with the national award ART-PLUS.

Serigraphy - also called screen printing or silk screen - is a printing technique that requires impecable precision and dedication to details where a mesh is used to transfer ink onto a substrate, except in areas made impermeable to the ink by a blocking stencil.

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Para la inauguración, Opera ha pensado en algo muy especial, su primera exposición de arte será la exhibición de una selección de obras del proyecto de serigrafías 180Hilos.

Dentro de este proyecto encontramos creadores tanto emergentes como consagrados. Estos artistas realizan obra exclusiva para
su edición en serigrafía. Las serigrafías a nivel técnico, desde las tintas hasta el papel, son trabajadas de una manera impecable
con una delicadeza especial.

180 Hilos se divide en 180 Hilos Clásico - serigrafías en pequeño formado - y 180 Hilos Oro y Obra Original.

Para más información sobre la exposición, visítanos en nuestra galería o contáctanos por e-mail: art@operalounge.es

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